Oscars 2025

 ¡Bienvenidos, cinéfilos y curiosos del celuloide! Hoy nos adentramos en los entresijos de la 97ª edición de los Premios Oscar, esa noche mágica donde Hollywood se viste de gala y nosotros nos ponemos nuestras mejores pijamas para criticar desde el sofá. Este año, la gala nos dejó momentos inolvidables y premiaciones que, como siempre, dieron de qué hablar. Vamos a repasar a los ganadores más destacados, pero con ese toque de humor que tanto nos gusta.

Mejor Película: "Anora"

La gran sorpresa de la noche fue "Anora", una película que, hasta hace poco, muchos pensaban que era una nueva marca de yogures griegos. Dirigida por Sean Baker, "Anora" se llevó cinco estatuillas, incluyendo Mejor Película. Parece que el cine indie ha encontrado su lugar en la mesa de los mayores, y con razón. 

Mejor Dirección: Sean Baker por "Anora"

Sean Baker demostró que no hace falta un presupuesto millonario ni explosiones cada cinco minutos para conquistar a la Academia. Con su visión única, nos recordó que las historias humanas y cercanas también pueden brillar en la gran pantalla.

Mejor Actor: Adrien Brody por "The Brutalist"

Adrien Brody, quien ya tiene experiencia en esto de ganar Oscars, se llevó su segunda estatuilla por "The Brutalist". Al parecer, interpretar a personajes con vidas más complicadas que armar un mueble de IKEA le sienta de maravilla.

Mejor Actriz: Mikey Madison por "Anora"

Mikey Madison se alzó con el premio a Mejor Actriz por su papel en "Anora". Su actuación nos hizo reír, llorar y cuestionarnos por qué no hemos seguido nuestros sueños de ser estrellas de cine. 

Mejor Actor de Reparto: Kieran Culkin por "A Real Pain"

Kieran Culkin, el hermano de Macaulay, demostró que el talento viene de familia. Su papel en "A Real Pain" le valió el Oscar a Mejor Actor de Reparto, y a nosotros nos dejó con ganas de ver más de su trabajo. 

Mejor Actriz de Reparto: Zoe Saldaña por "Emilia Pérez"

Zoe Saldaña, quien al parecer tiene un contrato para aparecer en todas las franquicias de ciencia ficción, se llevó el premio por su papel en "Emilia Pérez". Una actuación que nos hizo olvidar por un momento que también es una guerrera intergaláctica.

Mejor Guion Original: "Anora"

El guion de "Anora" nos recordó que las historias sencillas, cuando están bien contadas, pueden tener un impacto profundo. Además, nos enseñó que no necesitamos efectos especiales para sentirnos conectados con los personajes.

Mejor Guion Adaptado: "Cónclave"

"Cónclave" se llevó el premio a Mejor Guion Adaptado, demostrando que las intrigas vaticanas pueden ser tan emocionantes como una película de acción. ¿Quién necesita persecuciones en coche cuando tienes conspiraciones papales? 

Mejor Película Internacional: "I'm Still Here" (Brasil)

Brasil nos regaló "I'm Still Here", una película que conquistó a la Academia y nos recordó que el cine internacional tiene joyas que merecen ser descubiertas. Además, siempre es bueno ampliar nuestros horizontes más allá de Hollywood.

Mejor Película de Animación: "Flow"

"Flow" se llevó el Oscar a Mejor Película de Animación, demostrando que la animación letona está más viva que nunca. Una obra que nos hizo fluir entre emociones y nos recordó la magia del cine animado. 

Mejor Fotografía: "The Brutalist"

La fotografía de "The Brutalist" nos dejó boquiabiertos, llevándonos a un viaje visual que complementó perfectamente la narrativa. Una muestra de que una buena dirección de fotografía puede transformar una película en una obra de arte.

Mejor Banda Sonora: "The Brutalist"

La música de "The Brutalist" nos envolvió en una atmósfera única, demostrando que una banda sonora bien compuesta es esencial para sumergirnos en la historia. Ahora, cada vez que escuchemos esas melodías, recordaremos las emociones que nos hizo sentir la película.

Y así concluye nuestro repaso humorístico a los ganadores de los Oscars 2025. Una gala que nos recordó que el cine sigue sorprendiéndonos y que, aunque no tengamos una estatuilla dorada en nuestras manos, siempre podemos disfrutar de las historias que nos ofrece la gran pantalla. ¡Hasta la próxima, amantes del séptimo arte!

703.- The Thing (1982 John Carpenter)

"El hombre es el mejor lugar para ocultarse..."

Considerada por muchos como la mejor película de terror de todos los tiempos, "The Thing" de John Carpenter, ya sea o no la número uno del género, se ha ganado un lugar permanente en las colecciones de los amantes del cine que valoran el clímax y la tensión por encima de los litros de sangre y los clichés repetitivos.

Se trata de un remake de "The Thing from Another World", dirigida por Howard Hawks en 1951, ambas basadas en la novela de John W. Campbell, Who Goes There?. Sin embargo, la versión de Carpenter es la que se mantiene mucho más fiel a la esencia original del relato.

"The Thing" forma parte de ese grupo de películas emblemáticas como Alien, que demostraron en los 80 que el terror y la ciencia ficción podían fusionarse para crear experiencias cinematográficas casi perfectas.

Estrenada en 1982, hace más de cuatro décadas, la obra de Carpenter no solo revolucionó ambos géneros, sino que dejó una huella imborrable en la cultura de la época. A día de hoy, es considerada una obra de culto y sus personajes han trascendido a lo largo del tiempo, convirtiéndose en referencias icónicas que han inspirado múltiples reinterpretaciones.

La historia comienza con un grupo de científicos en una estación experimental en la helada y desolada Antártida. Allí, el equipo descubre a una entidad alienígena enterrada en el hielo por más de 100.000 años. Cuando la criatura se libera de su prisión helada, lo que sigue es una lucha desesperada por la supervivencia, mientras la entidad toma la forma de los propios investigadores, sembrando la paranoia y desatando el caos.

Aquí os dejo algunos datos curiosos:

• "The Thing" marcó el debut de John Carpenter en el mundo de las producciones de "serie A". Curiosamente, los productores no estaban del todo convencidos de darle el proyecto y casi terminan entregándoselo a Tobe Hooper, el director detrás de La Matanza de Texas. La duda sobre Carpenter se debía a que, hasta ese momento, su trayectoria se enfocaba en películas de bajo presupuesto como Halloween, que, a pesar de su éxito, no le aseguraba un lugar en producciones de mayor envergadura. Pero finalmente se decidió apostar por su visión única, y el resultado fue una obra maestra que redefinió el género.
• Aunque la versión original de Howard Hawks fue ambientada en el Polo Norte, Carpenter decidió trasladar la acción al extremo opuesto del mundo, situándola en el Polo Sur. Este cambio no solo le dio un toque fresco a la narrativa, sino que potenció la atmósfera de aislamiento y desesperación de la historia. La desolada y helada Antártida, con su eterno invierno y vastos paisajes inhóspitos, se convirtió en el escenario perfecto para acentuar la sensación de paranoia y peligro latente que define a The Thing.

• Antes de que el rodaje de The Thing comenzara, a Carpenter le llegó un guion muy diferente: la historia de un extraterrestre amigable. En lugar de optar por esa visión más optimista, decidió adentrarse en el lado oscuro de la ciencia ficción y eligió la ruta del terror y la desconfianza. El destino quiso que Steven Spielberg se quedara con ese proyecto sobre el alienígena bondadoso, y así nació E.T., lanzada ese mismo año. Curiosamente, ambas películas, tan opuestas en tono y estilo, redefinieron la forma en que el cine retrataba a los visitantes de otro mundo.
• Un detalle curioso y un guiño cinéfilo se esconde en The Thing: las imágenes que los expedicionarios estadounidenses observan, en las que aparecen científicos noruegos investigando la nave alienígena, no son cualquier metraje. De hecho, esas escenas son las mismas que se filmaron en la versión original de Hawks de 1951. Con este homenaje, Carpenter no solo rindió tributo a la película que inspiró su obra, sino que creó un sutil puente entre ambas versiones, conectando el pasado y el presente del terror y la ciencia ficción.

• Curiosamente, la única mujer presente en The Thing no aparece físicamente en la pantalla, sino que su contribución es a través de su voz. Adrienne Barbeau, quien en ese entonces era la esposa de John Carpenter, da vida a la voz del juego de ajedrez en el ordenador de MacReady. Aunque su papel es breve, se trata de un cameo significativo y personal para Carpenter, quien solía colaborar con Barbeau en varios de sus proyectos de aquella época. La escena en la que el protagonista pierde ante la máquina y, frustrado, le arroja whisky, añade un toque de humor irónico en medio de la tensión, antes de que la verdadera pesadilla comience.
• Antes de que Kurt Russell se convirtiera en el inolvidable MacReady, el papel fue ofrecido a otros actores de renombre. Nick Nolte y Jeff Bridges fueron los primeros en recibir la propuesta, pero ambos rechazaron la oportunidad. Afortunadamente, la negativa de estos gigantes de Hollywood terminó beneficiando a la película, ya que Russell, con su carisma rudo y presencia en pantalla, se adueñó del personaje y lo convirtió en uno de los héroes más icónicos del cine de terror y ciencia ficción. La colaboración entre él y Carpenter, que ya habían trabajado juntos en Escape from New York, resultó ser la elección perfecta para transmitir la mezcla de valentía, desconfianza y desesperación que define a MacReady.

• En un ejemplo clásico de cómo optimizar el presupuesto en el cine, el humo que se ve saliendo de las ruinas del campamento noruego, cuando los expedicionarios estadounidenses lo visitan, no proviene de un set diferente. En realidad, se trata del campamento americano incendiado durante las escenas finales de la película. Carpenter decidió reutilizar las instalaciones tras el clímax del film para simular el destrozado campamento noruego, aprovechando el mismo escenario y ahorrando así los gastos de construcción de un nuevo set. Este ingenioso truco demuestra cómo la creatividad detrás de cámaras puede ser tan importante como la que se muestra en pantalla.

702.- The Blob: "El Terror No Tiene Forma" (1988, Chuck Russell)

Tras su debut como director con "Pesadilla en Elm Street 3: Guerreros del Sueño", Chuck Russell volvió a ponerse detrás de la cámara para dirigir el remake de "The Blob", una película de ciencia ficción de 1958 protagonizada por Steve McQueen. Russell reescribió el guion junto a Frank Darabont, su colega en el set de la tercera entrega de Elm Street, con quien ya había trabajado en el guion de esa película.

La historia comienza cuando un meteorito cae en el pequeño pueblo de Arborville, California, liberando una entidad alienígena que parece una bacteria y que se alimenta de humanos para crecer. Un grupo de jóvenes es el primero en darse cuenta de la amenaza que se cierne sobre el pueblo y sus habitantes. 

Este remake de "The Blob" es uno de esos casos donde la nueva versión supera a la original, a pesar de que algunos fans de la cinta de 1958 no lo recibieron con los brazos abiertos. La versión de 1988 lleva el concepto argumental mucho más allá y lo reinventa por completo en su tramo final, convirtiéndose, para muchos, en una versión superior.

Aunque algunas muertes son un poco exageradas y tienen un toque cutre, los efectos especiales son impresionantes para la época, y el tono oscuro y serio es inusual para una película de terror de finales de los 80, lo cual se agradece. Las interpretaciones de Shawnee Smith (quien más tarde vimos como Amanda en la saga "Saw") y de Kevin Dillon, en el papel de Brian, el rebelde con buen corazón, hacen que te involucres y te preocupes genuinamente por sus personajes y su destino frente a la monstruosa masa rosada.

Con un guion bien trabajado que te sumerge en la trama, una galería de personajes interesantes y una ambientación lograda que realmente te transporta a Arborville, este remake se ha consolidado como un clásico imprescindible de los 80, y una de esas películas que los fans del género siempre llevamos en el corazón.

Curiosidades:

- La película incluye una escena polémica en la que un niño es atacado brutalmente por The Blob, algo que pocas películas comerciales se atreven a mostrar, ya que sigue siendo considerado poco ético e inmoral.

- Durante los créditos finales suena "Brave New Love", una canción de ALIEN, una banda sueca de Hard Rock/AOR que no tuvo mucho éxito. Si te gusta ese estilo, vale la pena escuchar su álbum homónimo, ¡es bastante bueno!

701.- Bitelchús: 12 cosas que (quizá) no sabías del genial filme de Tim Burton y Michael Keaton

 ¡Celebremos! Hace 36 años se estrenó una de las joyas más icónicas de Tim Burton: Bitelchús (Beetlejuice). Esta comedia negra, que nos cuenta la historia de un matrimonio que, tras morir recién estrenada su casa, atormenta a los nuevos inquilinos con la ayuda del desquiciado 'bioexorcista' Beetlejuice (Michael Keaton), sigue fascinando a audiencias de todas las edades.
Estrenada en marzo de 1988, la película no solo consolidó el estilo único de Burton, sino que también se convirtió en un éxito de taquilla, recaudando 73 millones de dólares en Estados Unidos habiendo tenido tan solo 1 millón de dólares de presupuesto. Con un elenco estelar que incluye a Winona Ryder, Alec Baldwin, Geena Davis, Catherine O'Hara y Jeffrey Jones. Aquí te presentamos 12 curiosidades que harán que ames aún más esta película.

1. Cambio de nombre. 
    Al estudio no le convencía el título "Beetlejuice" y querían llamarla "House Ghosts". Como broma, Burton sugirió "Scared Sheetless" (literalmente, "asustados sin sábanas") y se horrorizó cuando el estudio consideró usarlo.
   
   

   
   
   

2. Última canción.
   En el funeral de Glenn Shadix, quien interpretó a Otho, la última canción que se tocó fue "Day-O (The Banana Boat Song)", la misma que suena en la memorable escena de la cena.
   
   

   
   
   

3. Sammy Davis Jr. 
   Tim Burton inicialmente quería a Sammy Davis Jr. para el papel de Betelgeuse, pero fue el productor David Geffen quien sugirió a Michael Keaton, y la elección fue definitiva.
   
   

   
   
   

4. Rojo de novia. 
   En la escena de la boda, Lydia, interpretada por Winona Ryder, usa un vestido de novia rojo en lugar del tradicional blanco, un guiño al dicho "casada de rojo, mejor muerta".
   
   

   
   
   

5. Vuelo 409. 
   Mientras Barbara y Adam están en la oficina del más allá, escuchan un anuncio de la llegada del vuelo 409, un guiño al trágico accidente aéreo de 1955 donde murieron todos los pasajeros.
   
   

   
   
   

6. Gran recaudación. 
   Con un presupuesto modesto, "Beetlejuice" logró recaudar 73 millones de dólares en Estados Unidos, convirtiéndose en la décima película más taquillera de 1988.
   
   

   
   
   

7. Tres veces.
   Igual que para invocar a Betelgeuse se dice su nombre tres veces, los Maitland dicen "casa" tres veces para escapar de él y golpean la puerta tres veces para entrar al más allá.
   
   

   
   
   

8. Elfman, presente. 
   En los créditos iniciales, se escucha a Danny Elfman, compositor de la película, cantando una versión macabra de "Day-O (The Banana Boat Song)".
   
   

   
   
   

9. Crossover. 
   La cabeza de esqueleto en el sombrero de Beetlejuice se parece mucho a Jack Skellington de "Pesadilla antes de Navidad". Burton reutilizó este diseño para el protagonista de su película de 1993.
   
   

   
   
   

10. Secuela frustrada. 
    Hubo planes para una secuela en la que Betelgeuse se mudaba a Hawai y se convertía en una criatura llamada Juicifer, pero Burton perdió interés y se dedicó a "Batman".
    
    

    
    
    

11. Inspiración. 
    Michael Keaton se inspiró en Chop Top, un personaje de "La matanza de Texas 2", para crear su interpretación única de Betelgeuse.
    
    

    
    
    

12. Más violencia. 
    El guion original era mucho más oscuro y violento, con Beetlejuice como un demonio terrorífico. Burton contrató a dos guionistas adicionales para suavizar el tono y hacerlo más cómico.
    
    

    
    
    

Estas anécdotas no solo revelan la creatividad desbordante detrás de "Beetlejuice", sino también cómo una combinación de improvisación, decisiones audaces y un equipo talentoso puede crear un clásico inolvidable.

700.- 30 Días de Oscuridad

El fascinante mundo de las películas de vampiros: de joyas cinematográficas a grandes desastres El género de películas de vampiros ha dado lugar a auténticas joyas, aunque también a algunas producciones menos afortunadas. La popularidad del tema ha llevado a una saturación en el cine desde sus inicios. Clásicos como "Nosferatu" y "Drácula" marcaron el comienzo de esta fascinación. Hoy nos adentraremos en "30 Días de Oscuridad", una de las mejores películas del género.

1. La intrigante lengua de los vampiros en "30 Días de Oscuridad"
Si has visto "30 Días de Oscuridad", seguro te has preguntado qué idioma hablan los vampiros. Esa lengua cortante y única fue creada por un lingüista neozelandés, inspirado en sonidos animales. Su trabajo consistió en grabar y unir de manera sutil los sonidos que hacen los animales al comer, enfadarse y realizar otros comportamientos. Danny Huston, quien interpreta al jefe de los vampiros, también improvisó algunas líneas para darle autenticidad.

2. La mayor parte de la película se filmó de día.
Sorprendentemente, "30 Días de Oscuridad" se rodó casi completamente de día. Gracias a efectos de luz digitalmente modificados, el equipo logró crear la sensación de oscuridad permanente, engañando a la mayoría de los espectadores.

3. Sam Raimi pudo haber sido el director del film.
David Slade dirigió "30 Días de Oscuridad", conocido también por su trabajo en series de televisión y la película "Hard Candy". Sin embargo, el legendario Sam Raimi, director de "Posesión Infernal", estuvo a punto de tomar las riendas. Finalmente, Raimi decidió producir la película, confiando en la visión de Slade.

4. Josh Hartnett rodó enfermo.
Josh Hartnett, protagonista junto a Melissa George, rodó la película mientras padecía mononucleosis, también conocida como "la enfermedad del beso". A pesar de la fiebre y el dolor, Hartnett realizó todas sus escenas de acción sin necesidad de un doble.

5. El lugar de rodaje influyó en el reparto.
"30 Días de Oscuridad" se filmó en Nueva Zelanda, y esto se reflejó en el reparto. La mayoría de los actores son neozelandeses o australianos, incluyendo a Melissa George. Josh Hartnett fue uno de los pocos americanos en el elenco.

6. Todos los vampiros tienen nombre.
Aunque en la película no se mencionan, todos los vampiros tienen nombre. En los créditos finales, se puede encontrar una lista detallada de los nombres de los vampiros y los actores que los interpretan, destacando el esfuerzo por dar profundidad a cada personaje.

7. El cómic es bastante diferente a la película.
La película "30 Días de Oscuridad" está basada en un cómic de terror, aunque hay diferencias significativas. En el cómic, Marlow, el jefe de los vampiros, no lidera al grupo hacia la matanza, sino que intenta evitarla para no revelar la existencia de los vampiros al mundo.

8. ¿De dónde vienen los vampiros?.
Una de las grandes preguntas es el origen de los vampiros. La película sugiere que viajan en un barco a través del océano Ártico, insinuando un origen ligado a lugares como Nueva Orleans, debido al acento cajun del personaje interpretado por Ben Foster.

¡Y hasta aquí nuestro fascinante viaje por los secretos de "30 Días de Oscuridad"! Espero que hayas disfrutado descubriendo estos datos curiosos tanto como yo disfruté compartiéndolos contigo. Si eres fan del cine de vampiros, no dudes en volver por más contenido apasionante. Y recuerda, la próxima vez que veas a un vampiro en la pantalla, presta atención a esos detalles que hacen cada película única. ¡Nos leemos en la próxima aventura cinematográfica! 🌙🧛‍♂️🎬

699.- Morgan

La protagonista  de “La Bruja” (Anya Taylor-Joy) a la que ya augurábamos un futuro repleto de películas regresa con un nuevo personaje misterioso, “Morgan”.

Morgan es una niña creada en un laboratorio y aunque nunca se dice, parece claro que su creación está relacionada con su uso como arma humana.

Ha sido educada con amor pero algo en su interior le lleva a abrazar la violencia.

Así es que una tenebrosa corporación dueña de los derechos sobre su creación e investigación va a mandar a sus expertos en comportamiento para analizar lo que ha fallado en su producto.

Por momentos me ha recordado a la niña encerrada de “Species” o a “Hanna” y los interrogatorios de “Blade Runner” o muchas otras pelis de pseudofilosofía sobre los límites entre lo humano y lo que no lo es.

La película parece prometer grandes dosis de acción pero acabamos inmersos en una historia que intenta demostrar que el mayor sentimiento humano es el amor materno.

Este es el punto dónde la decisión sobre si la película te gusta o no puede diferir.

Si has visto el tráiler… ya estás predispuesto a ver una peli de acción y terror con lo cual posiblemente te sientas un tanto decepcionado al  ver que los minutos van pasando y esta no llega (aunque en honor a la verdad hay que tener paciencia, pues si que la hay).

Si no sabes nada sobre la trama y te enfrentas a ella con la mirada limpia te encontrarás con un thriller muy bien construido, dónde la tensión va creciendo hasta un desenlace cargado de violencia y  un final que pretende ser sorprendente aunque si eres observador ya te lo habrás imaginado mucho antes.

Sea como sea, “Morgan” me parece un buen entretenimiento que sobresale sobre la mayoría de películas de acción con guiones de mercadillo.

698.- Cristina Andrade y Jorge Castro

Compañeros desde siempre, Jorge y Cristina han encaminado su futuro profesional al Audiovisual desde distintos lados de la cámara.

 Cris como actriz, se está formando en la Escuela de Arte Dramático de Vigo. 
Jorge como técnico cursa el Grado de Comunicación Audiovisual.

 Lo lógico es que coincidiesen en alguna producción, como la webserie "Prevenidos" o un cortometraje para el Festival de cine de terror "PANIC A Estrada".